Nueva Exposición en el MAD Explora la Complejidad de la Frontera Entre Estados Unidos y México a Través del Medio Íntimo de la Joyería

La Frontera: Encounters Along the Border

La Frontera: Encuentros a lo Largo de Ésta

1 de marzo de 2018 – 23 de septiembre de 2018

New York, NY (March 1, 2018)

NUEVA YORK, NY (1 de marzo de 2018) – El Museo de Arte y Diseño (MAD) se enorgullece en presentar La Frontera: Encuentros a lo Largo de Ésta, una exposición internacional de joyería contemporánea que explora la frontera entre Estados Unidos y México como un paisaje complejo de interacción humana. Inaugurada hoy y abierta al público hasta el 23 de septiembre, la exposición incluye piezas de cuarenta y ocho artistas de Estados Unidos, América Latina y Europa, cuyas obras muestran las dinámicas subyacentes del ambiente de la frontera en el contexto geográfico, ecológico, político, económico, social, cultural e ideológico.

Con una extensión de 3,200 kilómetros (1,989 millas), desde el Océano Pacífico al Golfo de México, la frontera entre Estados Unidos y México es la más cruzada del mundo y las zonas fronterizas se encuentran entre las regiones de más rápido crecimiento para ambos países. Porosa por naturaleza, la frontera permite el intercambio de ideas, riqueza y cultura y, como tal, encarna la profunda interdependencia entre los dos países. Los ciudadanos que habitan en las zonas fronterizas comparten una historia, tradiciones y modos de vida, y Estados Unidos depende de la mano de obra mexicana en numerosas industrias. No obstante, la inmigración de mexicanos a Estados Unidos está en declive y la posibilidad de un muro fronterizo impenetrable amenaza con afectar a millones de personas–ciudadanos transfronterizos de ambos lados, familias mexicanas que ya se encuentran en Estados Unidos y aquellos que están en busca de una mejor vida.

En este momento crítico de la historia de Estados Unidos, La Frontera: Encuentros a lo Largo de Ésta busca narrar las historias de las personas cuyas vidas han sido tocadas por la frontera y generar empatía hacia quienes aspiran a cruzarla. Las sesenta y dos piezas en exhibición incorporan una gran diversidad de materiales, desde metal, fibra y madera hasta equipo médico, fragmentos de tarjetas de residencia (green card) y tapas de botellas de agua, con el fin de encarnar interpretaciones personales del viaje por la frontera.

La Frontera muestra el poder de los objetos personales dentro de los dramas épicos y naturales que tienen lugar todos los días a lo largo de la frontera entre Estados Unidos y México”, dijo Barbara Paris Gifford, Curadora Asistente del MAD. “En una época en la que lo personal se ha perdido en lo político, esta muestra nos recuerda nuestra humanidad compartida y señala lo absurdo que es construir divisiones artificiales”.

Nos emociona traer a estos artistas y esta conversación a la ciudad de Nueva York y subrayar una narrativa diferente de la frontera… parte de la cual se cuenta desde el punto de vista mexicano”, agregó Lorena Lazard, Co-Curadora de la exposición.

Mike Holmes, también Co-Curador de la exposición, comentó: “Después de la primera configuración de la exposición, cual viajó a cuatro sedes en México y en Estados Unidos de 2013 a 2014, nos emociona traer La Frontera al MAD, actualizada para el momento cultural actual y en exhibición en una institución que se caracteriza por defender a los artesanos y productores tanto históricos como contemporáneos.

Piezas clave de la exposición:

  • No-Man’s Land, broche realizado por Judy McCaig, incorpora acero, plata, tombac, Perspex, pintura, un diamante Herkimer y taramita como referencia a los terrenos áridos y montañosos y a los peligros naturales que involucra cruzar la frontera.
  • Three Days Walking (Mourning Brooch), de Julia Turner, está basado en mapas de advertencia que muestran rutas llenas de puntos rojos, cada uno de los cuales representa la ubicación de una muerte, y cubiertas de círculos que indican la distancia a pie desde la frontera. El broche hace referencia a la joyería victoriana de luto, la cual a menudo contiene cabello del ser amado a quien se ha perdido.
  • Realizado con lona e hilo de poliéster, el collar La Bestia, de Raquel Bessudo, hace referencia a la peligrosa red de trenes de carga que, de manera ilegal, transportan inmigrantes que buscan cruzar hacia Estados Unidos. Los inmigrantes deben subir a los techos de los vagones en movimiento, con lo cual enfrentan peligros físicos que van desde la amputación hasta la muerte en caso de que caigan o sean empujados.
  • Lightvessels 2, de Aline Berdichevsky, rinde homenaje a las mujeres del pueblo mexicano La Patrona, quienes esperan La Bestia todas las tardes y arrojan agua y comida a los inmigrantes cuando pasa el tren.
  • A muchos inmigrantes les toman las huellas y los fotografían y esos registros pueden hacer que los deporten. Por lo tanto, es común la práctica de borrar la información que se encuentra en los dedos. Para llamar la atención hacia estos actos de borrado, los colgantes Dactilar, de Cristina Celis, reflejan lo que la gente está dispuesta a hacerle a su propio cuerpo con tal de permanecer en Estados Unidos.  
  • Con su broche Reconstructed: Framed, Demitra Thomloudis busca darle sentido a la deliberada separación entre países a través del lente de la joyería, buscando una composición poética entre forma, color y textura, encarnados en un objeto ornamental singular.  
  • El collar sin título de Kevin Hughes, hecho con desechos de asas de garrafónes, hace referencia a los garrafónes de agua que dejan los trabajadores a lo largo de la frontera, creando oasis salvavidas en un ambiente desértico que, de lo contrario, sería traicionero y aplastante.
  • En un proyecto en curso, Kristin Beeler visita los descansos, o memoriales, que conmemoran muertes a lo largo de la carretera que se extiende entre Ajo y Tucson, Arizona. En cada sitio hace un rosario. Su collar descanso 2, highway 86, hecho de alambre de acero y cuerda de nylon, remite a la humanidad y el honor de los inmigrantes que han pasado.
  • El collar de plata Sueño y Realidad de Martha Vargas hace una conexión poética entre los inmigrantes y la migración de las mariposas monarca, que comienza en marzo. Aunque ambos viajan hacia destinos más hospitalarios y enfrentan peligros naturales, las mariposas son libres de hacer estos viajes sin tener que enfrentar los obstáculos de muros o de la política.

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La Frontera originalmente fue organizada y curada por Lorena Lazard y la Galería Velvet da Vinci. Inauguró en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México en 2013. Luego viajó a Velvet da Vinci, en San Francisco, California, la Galería de Arte de la Universidad de Kokomo Indiana, en Indiana, y el Centro de Arte Contemporáneo de Houston, en Houston, Texas.

A la luz de los acontecimientos actuales, La Frontera: Encuentros a lo Largo de Ésta es una versión actualizada, co-curada por Mike Holmes y Lorena Lazard, con el apoyo de Barbara Paris Gifford, Curadora Asistente del MAD, y Angelik Vizcarrondo-Laboy, Gerente Asistente de Asuntos Curatoriales del MAD.

Esta muestra tiene el apoyo, en parte, de fondos públicos del Departamento de Asuntos Culturales de la Ciudad de Nueva York en conjunto con el Consejo Municipal.

Mike Holmes

Mike Holmes es el dueño de la Galería Velvet da Vinci en San Francisco, la cual se especializa en joyería artística y esculturas basadas en artesanías. Nació y creció en California. Cuenta con un título en geografía de la Universidad de Alaska y estudió joyería y aprendió a trabajar con metales en la Escuela de Artes y Artesanías de California (ahora conocida como Escuela de Artes de California). Desde 1991, Velvet da Vinci ha presentado más de cien exposiciones, entre las que se encuentran muestras grupales y de un solo artista que subrayan desarrollos internacionales y compromisos políticos en el campo. Obras creadas para la galería han sido adquiridas por el Museo de Artes y Diseño, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y el Museo de Victoria y Alberto. Holmes ha impartido conferencias internacionales sobre joyería y ha fungido como jurado invitado para muestras del Consejo Norteamericano de las Artesanías y la Feria de Artesanías de Boston, así como de la mesa directiva del Foro de Joyería Artística.     

Lorena Lazard

Lorena Lazard es una artista mexicana que vive y trabaja en la Ciudad de México. Inspirada por la experiencia personal, la introspección y la memoria, a través de sus piezas de joyería, Lazard busca entender su lugar en el mundo y las razones de su existencia. Su joyería única ha sido expuesta en museos, galerías y ferias de arte internacionales y ha aparecido en numerosas publicaciones y antologías. Además de hacer joyería y trabajar como curadora, es fundadora de Atelier Lazard, una escuela de joyería contemporánea en la Ciudad de México que ha fungido como una importante incubadora de artistas de la joyería en el país por más de veinte años. Desde 2017, Lazard ha sido profesora de Centro, en la Ciudad de México. Lazard representa a México en el Consejo de la Sociedad de Orfebres Norteamericanos. 

Barbara Paris Gifford

Barbara Paris Gifford trabaja como Curadora Asistente en el Museo de Arte y Diseño y se especializa en joyería contemporánea y ornamentos. Sus exhibiciones más recientes incluyen Counter-Couture: Handmade Fashion in an American Counterculture, Lauren Kalman: But if the Crime is Beautiful…, Voulkos: The Breakthrough Years, Ebony Patterson: buried again to carry on growing…, Ralph Pucci: The Art of the Mannequin, entre muchas más. Gifford ha escrito para muchas publicaciones, entre las que se encuentran The Journal of Modern Craft y los catálogos de Voulkos: The Breakthrough Years y Ralph Pucci: The Art of The Mannequin. Tiene una maestría en arte con especialidad en historia de las artes decorativas, diseño y cultura material del Centro Bard de Posgrado.

ACERCA DEL MUSEO DE ARTES Y DISEÑO

El Museo de Artes y Diseño (MAD) defiende a productores contemporáneos en campos creativos y presenta las obras de artistas, diseñadores y artesanos que aplican un alto nivel de ingenio y destreza. Desde la fundación del Museo en 1956 por la filántropa y visionaria Aileen Osborn Webb, el MAD ha celebrado todas las facetas de la producción y los procesos creativos mediante los cuales los materiales se transforman, desde técnicas tradicionales hasta tecnologías de punta. Hoy, el programa curatorial del Museo se basa en un rica historia de exposiciones que enfatizan un enfoque transdisciplinario para el arte y el diseño y que revela la mano de obra que hay detrás de los objetos y ambientes que dan forma a nuestras vidas diarias. El MAD proporciona una plataforma internacional a aquellos que están influyendo el rumbo de la producción cultural y conduciendo la innovación en el siglo veintiuno, y constituye un lugar de participación para que los visitantes tengan encuentros directos con obras de arte y diseño cautivadoras y hechas con destreza.  

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